钢琴大师谈钢琴演奏『转贴』

　赫切森1871年生于澳大利亚墨尔本。他曾是一个音乐神童，5岁时作为一名儿童钢琴家，曾在澳大利亚各地演奏。9岁时进入莱比锡音乐学院，师从莱涅克。4年后到了魏玛，在李斯特著名的学生斯塔韦哈根门下学习。1894年在柏林举行了成年后的首演。演出取得成功后到了美国，曾在皮巴迪音乐学院任教，1915年于纽约首演后成为朱利亚音乐学院的教师，以后担任该校校长。他曾写了一部十分有价值的书《钢琴文献》，并培养出一批一流的演奏家。
　　
　　钢琴教学法的普遍性
　　
　　当人们考虑到已有大量有关钢琴演奏和钢琴学习方面的讨论，他就很想在这个问题上保持沉默，但事实上还有很多可以观察或讨论的地方。现今的趋势是在钢琴教学问题上避开理论，而更多倾向于从实际观察方面，寻找出最好的弹奏是如何做到的。
　　要求有效的指导，从某种方面产生了新一类钢琴教师，他们并不写有关他们如何做的论文，却实际地从事演奏和教学，并通过他们的经验，演变出了他们自己的方法以适应某些特殊需要。莱谢蒂茨基被称为19世纪最伟大的钢琴教师，这并非夸张。他之所以伟大，是因为他总是非常实际的。他指出某些方法，来帮助建立一些初级技术训练方面的主要原则，但除去那些以外，他可说是没有方法的。
　　技术总是适应时代的需要以及乐器的特点。在键盘乐器的早期，乐器的机械性能及所演奏的音乐并不要求演奏的力量。弹奏斯皮耐琴(早期羽管键琴类乐器)时习惯用伸张开的手指，动作主要是手指的指甲部分。
　　乐器的下一个历史发展时期，通过羽管键琴和早期钢琴的运动，流行一种更新、更有力的技巧，这一时期有巴赫、斯卡拉蒂、海顿、莫扎特和贝多芬等人的创作。更自由地运用拇指，更加有力的手指动作(从掌关节活动，用弯曲的手指)，用手腕部分和手的动作来弹奏跳音，是这个时期技术进步的特点。
　　最后是李斯特的技巧。这时钢琴有了铸铁的钢架，触键更深，并有了无限扩大的声音资源。钢琴家们改变了他们的方法，主要的不同之处是拱形的手部位置(以便手指动作有更大范围)，以及大臂的自由运作。
　　然而，钢琴触键只是产生钢琴声音的必要手段，当考虑到手臂和手指的外部动作时，非常容易并有可能忽视了它们的真正目的。毕竟，音乐是耳朵的艺术，它完全通过那个器官到达每个人，由于这样，钢琴首先考虑的应是美丽、多种多样、富有表情的声音。
　　声音的分析必然是听觉的分析。不管学生如何小心地注意到所有外表的技术指示，如手的位置、手指等等，假如声音不好，他的整个技术就是错误的。我很少注意学生的手指，在自己弹奏时也从不注意看自己的手指，但我不断地听。如果我听到一种特殊的声音，我知道肘部是僵硬的，另一种声音可能暴露出摇晃的手指，等等。
　　一般学生最普遍的技术通病之一是缺少大臂的自由和放松。肘部以上肌肉的紧张阻碍重量更好地集中在指尖，并毫无疑问地使强奏段落的声音更硬，特别是强的和弦和八度。除了十分特殊的效果外，指甲关节以外的整个演奏技巧应处于放松的状态。
　　演奏者身体的自由会直接传达至乐器本身的连动装置。我可以肯定，学生或公众极少认识到钢琴的敏感性。气温的冷热，空气的潮湿或干燥，周围的音响环境以至演奏者情绪的生理表现，都会影响钢琴的声音。粗暴地对待一架钢琴，它就会生气地锁住它声音的宝藏。爱抚地、充满理解地对待它，它就是一件最敏感的乐器。它那竖琴状的二百多根琴弦，它那很大的音板和构架，以及它的踏板系统，为了音乐的目的，对于最细微的声音变化都是极为敏感的，甚至达到某种程度上，其中键盘上十分轻微和似乎不重要的动作，都会影响其整个声音。
　　因此，钢琴的敏感性是首先应提起学生注意的。只要他把它视为某种他可以随便在上面槌打或敲击的鼓或铁砧，他就不会得到可靠的音乐效果。另一方面，尊重乐器是走向更好地理解和等待它跨进了一大步。
　　以我的看法，学生应该在开始学习时，先掌握某些典型方式的触键。当然，依照所需要的声音效果，可能有几乎无穷无尽的不同触键，而主要是这些为表情性的演绎增加了魅力。但典型的触键应首先学习和提高，不仅在技术性练习中，在音乐性的演奏中也同样。
　　钢琴文献的扩展，使巨大的技术能力成为必要的。教师们现在认识到，掌握某些技术公式和初级原则，向更加复杂的问题打开了道路。他们知道技术在最好的情况下只是达到目的的手段。他们考虑到技术练习和音阶应如何弹，而不只是任务式地进行无数次的练习。
　　很有意思的一点是，某些教学材料如何幸存到今天的钢琴学习中。例如车尔尼和克拉莫。教师们发现自己还是经常选用这些写作者的练习曲。车尔尼是胡梅尔和施泰贝特的同时代人，可现在他们的音乐大部分只是一种记忆，而车尔尼和克拉莫却被使用至今。
　　音阶和琶音也同样。有经验的教师是最聪明的教师，而有经验的教师知道某种流畅和从容，以及和键盘之间的直觉的亲密度，可以通过用这些材料来获得，而其他方式则不容易获得。钢琴家的头脑需要和乐器拴在一起，从而他有可能不必有意地费力，就能做好他大部分键盘上的工作。音阶和琶音似乎可以去掉那种时刻需要看到琴键的习惯，并使演奏者掌握住他的乐器的各种可能性。没有任何其他东西可以达到这一目的。如果不用这些，那么必须采取更长、更迂回的途径。
　　现代技巧的目的是使演奏者从机械的束缚中解放出来，从而他音乐的天性可以得到最广泛的支配。头脑能下意识地工作，对于一位不用考虑那些必要的技术因素而一心追求音乐上成功的学生，是十分有利的。
　　人类头脑不够大，它只能有意识地装载一个钢琴家在演奏一首复杂的名作时需要记住的许多东西中的极少一部分。头脑在所有时侯都必须占主导，但它所主要关切的应是乐段的艺术方面的含义，而不是机械的细节。所有现代的方法都认识到这一点，并寻求通过聪明地计划好技术训练，使这些艺术细节得以完成。