二、初学者最容易忽略的问题——节拍意识
许多朋友一定都遇到过这样的问题，当他模仿一些曲子时，无论是音色还是时值都可以惟妙惟肖，但当他自己想进行一些简单的创作或是即兴演奏时，却发现要么速度极快；要么总是找不到节拍的感觉。所有这些关于拍子的问题都只有一种解释：你以前忽略了它甚至没有意识到它的重要性。如果在练习时，你都做不到使你的节奏稳定，那么在演奏时的效果一定极差，在练习时，试着打开你的节拍器，一步一步地练习，速度不是主要的，重要的是你的感觉，你在弹奏时对于节奏的把握。许多著名的演奏家，他们手指间流露出来的音符之所以令人百听不厌，是因为他们对于演奏时各种技巧乃至情感的把握是很有独到之处的（当然，也包括节拍的把握）。
我想，没有什么是可以束缚你的演奏的，除了消极的思想和你认为难以控制却又没有认真去练的节拍。
三、初学电吉他的常见问题——手型上的差异
在我见过的朋友和教过的学生中，70%的人初学电吉他时会出现这个问题。因为，大部分人是通过一段时间的民谣吉他演奏转学电吉他的，这时就出现了手型上存在的问题。一般来讲，吉他的演奏分两种手型：摇滚手型和古典手型，在我们演奏民谣吉他时，其实仍在使用古典手型，比如，压和弦要求手指自然、拱起且每个手指的间距尽量保持相同等等；而摇滚手型则不然，它对于每个和弦的压法甚都做了简化（低把位、高把位），甚至在弹奏时可以只压两根弦，如高把位D和弦，食指按5品4弦、无名指按7品3弦就可以了；在民谣吉他的弹奏中大三、小三和弦不可混淆使用，而在摇滚电吉他弹奏中，有时D、Dm都可按上面说的弹。
另外，摇滚电吉他在弹奏Solo时，手指不是分的很开，而是像趴着一样。有时，如需弹奏一段难度较大的曲子，你感到所用的手型不顺畅，那么可以试着进行两种手型的轮换使用。总而言之，不要把你在民谣吉他中使用的手型一成不变的用到摇滚电吉他的演奏中，毕竟两者在弹奏的风格上和构造上都是不同的，掌握多种手型，在不同的情况下灵活运用才是最主要的！

[ 本帖最后由 DJ吉他 于 2006-9-22 19:28 编辑 ]

四、关于电吉他护弦的方法
可能很多从木琴转弹电琴与及刚学电琴的朋友一开始就会遇到一个问题，就是弹奏中不知道怎么护好弦，我开始的时候也是弹的木琴，刚接触电琴的时候弹起来呜哩哇啦的，不干净，当时也就有人给我说了弹电琴要护弦消音什么的，但具体怎么个护法就没告诉我了，好像这个问题一说就明白了，不用解释了似的，但其实我是过了好久看了一些书又问了一些人才搞清楚，这里就说一下我是怎么护弦的，希望大家研究后给予指正。对了，顺便说一下，护弦和消音、制音是不同的概念，护弦是指在弹奏之前防护好其他不弹奏的弦，避免不小心碰到它们而出杂音，消音是指弹奏之后消除余韵。当然，在弹奏过程中两个工作都要一起做好的。 换句话说，护弦、消音都是一种本能的动作，而制音则是一种技巧，很多朋友在初学时，容易把它们搞混。
　　左手的护弦大多采用食指虚按琴弦的方法，即左手食指在弹奏过程中成横按状虚按，因为在弹奏中推弦、揉弦的时候做容易碰到其他弦而产生杂音，食指象这样护住弦以后，推、揉的时候就可以放心的让其他不应该发音的弦不发音了。但我在弹奏的时候不习惯把食指伸老长的趴在指版上，所以我左手只护几根高音弦，低音弦用右手的手掌外侧来护，比如弹4弦的时候，左手任意一个空闲的手指虚按1、2、3弦，右手手掌外侧压住5、6弦（靠近琴桥的地方），这样就会感觉左手活动的更方便了。具体手怎么放，我看应该是个人的习惯来决定的吧！
　　消音也一样，一根弦上的消音不用说，弹完之后左手按弦的手指轻抬虚按就可以了，过弦弹的时候我采用了从高音弦到低音弦时左手空闲的手指消音，从低音弦向高音弦走的时候右手手掌外侧顺着往下消音，这样其实在消音的时候也就护住了弦。这样两手配合熟练了，很自然的就会得到很干净的声音了！

五、正确的技巧练习
正如你所听到的或是看到的，摇滚电吉他的演奏之所以引人入胜，绝大部分原因，还是要归功于它多变的技巧。也正因如此，诸多爱好者们开始近于疯狂的练习各种技巧，出现了许多“只求拥有、不求甚解”的例子，而就是这种弊端，令多数人的演奏似是而非，甚至“惨不忍听”。下面，我简单地说几个最基本的技巧和练习中会出现的问题：
推弦  推弦对于一位电吉他手来说，是一种最突出的、最富表现力的演奏主旋律的技巧。在指板上推、拉琴弦以流畅、延续的方式提高一个音符的音高，是有非常广阔 的音乐创造可能性。用匹克弹奏琴弦，随后立即上推(朝6弦方向)，提高音高（5、6弦向下拉弦）。通常音符被提高半个音级、一个音级或一个半音级，这是由出现在箭头之上的时值来表示。“全”表示音高被提高一个音级(2品)，“1/2”表示半个音级等。
四度推弦，很多人只是一味的将弦推向一个感觉上似乎达到的高度，而不去管琴弦的张力和对于手指力量的承受程度，这样做无疑只会使琴弦增加断开的机率，除此之外，其实你等于什么都没练。正确的步骤应该是：先听究竟一个四度到底有多高；了解这个本音距离你需要推到的音的音程；然后反复而缓慢的练习（注：此处所指的缓慢是说在推弦时左手的力量和幅度不要过大）。另外，记住，只有二弦、三弦可以推至一个四度。其余的琴弦都做不到这一点，因为它们的张力不允许
全音推弦、半音推弦，无需多讲，所谓全音推弦就是把弦推至一个全音的高度，再圆滑的释放。半音推弦，即1/2推弦，由于它的音程是一个半音，所以在练习时很多人容易出现“推过”的问题练习时，你只要反复去听你所需要的这个音高度，再进行就可以了。
推弦释放，这的确是一个电吉他初学者经常会忽略的问题，大多数初学者在练习推弦时，只会把弦推起，然后忽然松开，这样，推弦的味道就没有了。推弦释放即是推弦的反过程的，“有上必有下、有正必有反”，前面说了，你进行一个推弦时，必须要有一个圆滑的释放，才能使这个推弦全面体现出它的味道。
预推弦，预先推弦是在你弹弦前将音符提升到要求的音高，其效果要到你释放它才能听到。因为你首先听到一个音符之后是一个向下的“推弦”(释放)。这一技巧也称作反推弦。预先推弦最困难的是在弹奏该音符前将弦推到精确的位置，因此你必须在没听见音符的前提下将弦推准。这个技巧的关键是先将弦准确、无声的推起，而要表现出来的却是后面释放的那个音。
双音推弦， 双音推弦的方法是以一个手指同时推两个音符所在的弦，当然这种推弦的力量较小，所以往往 推得很快，其实际效果就象使用摇把所产生的短小颤音。
击钩弦  有很多朋友想提高自己的演奏速度，提高击钩弦的速度和质量，也是一个很好的办法。但是练习的时候一定要认真的注意自己击钩弦的力度是否和你拨弦的力度接近了…只有这样，在一段快速技巧的运用中，击钩弦才不会显得太无力，免得乐句当中，有断点断音的现象。
另外，有时候大片的击钩弦还会使你演奏的乐句显得更加流畅。所以，练习好击钩弦，是很有用的
（1）练习方法：
　　大家都知道，手指最没有力度和薄弱的就是三指和四指，中指和食指略微好些。如果想让三指和四指更有力度，就需要练习它俩，但是单独练习它俩，会显得过于枯燥。找个大跨度的练习曲，进行练习，在这种条件下的手指是更没有力气的，所以，练习好这个，就会增长很多手指功能。再就是，效果器不要把失真开大，运用原声最好，这样，你手指不用力度是勾不响琴弦的。
准备好以后，就可以开始练习了
（2）注意：
　　一定要找个节拍器训练自己，根据谱子给的节奏，慢慢开始练习。一上手，不要速度太快，要以每个音符都演奏清晰饱满为主要目的。因为你的技术，不是练给别人的，千万不要欺骗自己。一个月以后，你会发现自己手指和以前完全不同了……
揉弦颤音 ，揉弦颤音是我们吉他手所掌握的最具表现力的演奏技巧之一。在乐句适当的地方加上适当的揉弦，会比没有揉弦的乐句在声音上要生动的多。 美声唱法的歌手们要学习很多年付出很多努力来掌握如何用他们的嗓子唱好颤音。但很多吉他手却从没想过要多花些时间来掌握颤音技巧。很多低素质的吉他教师自身也不是很重视颤音技巧的作用，他们只是把这个技巧当作一种额外的内容教授给学生，并没有向他们强调揉弦颤音的重要性。
我认为最有感染力的揉弦颤音是慢速或中等速度但幅度较大的。不过，小幅度的揉弦有时也是必要的，通常是在很慢很轻柔的乐句当中。 快速的揉弦有时是很有效的，但使用时一定要谨慎，因为快速揉弦有时会让声音失去控制，甚至不小心会造成跑调的声音。
对于经验不足的吉他手，在揉弦技巧上经常遇到的问题有：
1、揉弦速度过快。这种颤音的声音就像是一个小飞虫在你耳边发出的恼人的嗡嗡声，而且音符的音高也往往会失去控制。
2、揉弦幅度过小。这种揉弦发出的声音让你显得很懦弱和胆怯，除非你弹奏特别轻柔的乐句
3、揉弦颤音持续不够。声音很快就衰减没了，让人感觉没有活力。这经常会让音乐结束的乐句听上去很乏味。
4、揉弦被滥用。一些吉他手在每一个有可能的地方都要加上揉弦。过度使用揉弦的后果就是：在真正需要的地方揉弦颤音反而失去了对听众的影响力。
5、在推起的音上不使用或很少使用揉弦。当琴弦被推起后，如果没有揉弦来支持，音符的声音会比正常情况下衰减得快的多。如果你还不知道这个道理，可以比较一下使用揉弦的音与没有使用揉弦的音（尤其是在推弦的情况下），你会发现揉弦能够非常有效地帮助延音持续。
6、揉弦时跑调。这种声音是非常糟糕的。这个问题也是很普遍的，当揉弦时左手每次推动琴弦的力度不一致时就会产生音高上的差异。因此你在揉弦时要确定每次推弦都到达相同的位置。另外一个造成音符跑调的原因是，每次推弦后琴弦没有被放松回完全相同的音高上。如果你有这样的问题，并且不知道如何解决的话，我建议你在练习时使用带指针的校音表。看着指针来确保每次推弦推起和放松都到达相同的位置。这对于练习慢速的推弦是很有帮助的。
我建议大家多听那些有着完美揉弦技巧的演奏者的音乐。下面是一些吉他手的名字，他们的揉弦让我在学习和练习这一技巧时得到了很多启发：Yngwie Malmsteen, George Bellas, Andy LaRocque（King Diamond乐队吉他手）和Jason Becker。当然，还有很多吉他演奏大师在揉弦上都有很深的造诣，如：John Petrucci, Marty Freidman, George Lynch和Eddie Van Halen （Van Halen乐队较早期的专辑）。
完美的揉弦颤音技巧是需要很长时间才能真正掌握并控制好的。我是在弹了很多年吉他之后才感觉自己的揉弦达到了另自己比较满意的程度，能够制造出自己想要的声音。 最后，我希望大家不要忽视和低估这个重要且有效的表现技巧。即使你已经掌握它了，也要持续练习，不断精炼你的揉弦音色。
所以，在练习技巧的同时，进行同步思考是尤为重要的。
六、练习三连音、五连音、七连音的诀窍
很多吉他初学者,在读谱的时候,可能最怕遇到的就是密密麻麻的音符和眼花缭乱的切分节奏吧.如果没有同步的磁带或者音频来听，一时都不知道该去怎么弹,从何下手.
　　刚开始，遇到最多的问题,莫过于是"奇数个音符"的组合了.就是三连音,五连音,七连音,九连音...如果是偶数的音符,四连音,八连音,都比较好掌握，因为，我们可以把一拍子平均分成偶数份,来感觉它的时值和节奏.但是，把一拍子怎么平均分成奇数份呢?
　　其实，这里有个小窍门,很简单.我们一起来看看:
　　首先，你要掌握好三连音的感觉.在一拍子里平均的弹三个音符，是什么感觉呢?大家都会唱国歌吧,在国歌那句"我们万众一心,冒着敌人的炮火"中的"敌人的"三个字,就是个很典型的三连音,我们可以多哼几边,边哼边打拍子，来找找三连音的感觉.很容易就可以掌握了。
　　当你掌握了三连音后，就可以进行很多进一步的练习了:五连音,七连音.
　　在练习五连音的时候，我们可以把一拍子分成两个半拍子,前半拍子来弹三连音，后半拍来弹二连音,前提是你必须掌握了三连音的感觉.好了，这样,我们就在一个拍子下完成了五个音符的演奏，可是，它听起来并不是那么平均.你再可以颠倒过来，把前半拍子弹二连音，后半拍子弹三连音,这样再练习几边.好了,你现在已经基本上知道一拍子弹五个音符是什么感觉了,剩下的就是去靠耳朵和感觉，让这五个音符在一拍子中平均一些..
　　好了，希望说到这里,大家应该有点入门了。那么,七连音的方法，就是分成前四后三,或者前三后四.九连音就可以分成前五后四,或者前四后五...
　　是不是很简单?密密麻麻的音符,其实并不可怕,进行一些简单的拆分,就一下子搞定了。当你熟悉这些音符的时值以后，就可以试着去加快速度演奏它,然后录下来自己弹的,听听弹好没有？那里还存在问题？
　　最后,我想说，音乐是活的,不是科学上的精确运算。我们永远不能知道一拍分成奇数份是具体多少,数学上是除不尽的.把你的感觉融入进音乐,不要太教条化。一拍的几个音符是多少时值不是最重要，重要的是，一拍有几个音,在重拍上的音是什么,这有利于我们去掌握好节奏.剩下的就是我们用感情驾御音乐了。
七、        拨弦正确的方式
很多时候，一些电吉他的爱好者们，在进行练习或是弹奏一些大师的曲目时，因为一味的追求速度而造成手型上的差异，如：朝一个方向拨弦、拨弦时找弦不准，产生杂音等等。显而易见，正确的拨弦方式也要经过严格的练习，而这个练习会直接反映到你的演奏效果中去。那么，该如何去进行这项练习呢？以下是我个人的一些经验和看法：
1、正式练习前，首先做一下右手的热身。先由6弦开始，挨着向下进行两根弦的2连音弹奏，如：65 65 65 65、 54 54 54 54、 43 43 43 43、  32 32 32 32、 21 21 21 21然后再退回去（即反方向再弹一遍）；这个练习做完之后，再变成隔一根弦练习，如： 64 64 64 64、 53 53 53 53、 42 42 42 42、  31 31 31 31 ；
然后变成隔两根弦、三根弦练习，记住，每次都要进行一遍相应的反方向弹奏。
2、单弦多音练习：顾名思义，这个练习时在单弦上完成，所谓的多音练习是指2个以上的音的弹奏。如：在6弦上进行3连音、4连音、5连音或6连音、的弹奏，然后5弦、4弦……每根弦最少弹奏一小节。这个练习看似简单，实则不易，因为，用你的电吉他练习时，必须使用“失真”音色。这样，练习的同时，你会刻意的注重杂音的消除（即消音），也就是说，在进行这项练习时，你同时练习了消音，一举两得。但是，最具有挑战性的，是在每根弦上重复弹奏时不出错，前面说了，每根弦最少弹奏一小节，也可反复弹两小节、四小节再换弦。这就要求你的注意力高度集中，在注意弹够拍数的情况下，拨弦的方向、速度的均匀都不能出现差错。
3、拨弦的方向（此为本人的切身感受，仅供参考）
在练习或是弹奏时，如由一弦开始向上弹奏，拨弦上-下、上-下交替。反之，如由六弦开始向下弹奏，那么，拨弦变为下-上、下-上交替。任何时候，只要记住这两点，那么，不管所弹奏的曲目速度、节拍如何难以掌握，至少，你拨弦的方向不会再出现问题。

八、循序渐进的速度练习
正如一句成语“欲速则不达”所说的一样，多数爱好者，只是为了追求惊人的速度，一味地埋头苦练，而效果却是不怎么理想。这就跟上楼梯一样，你嫌一级一级的太慢、太麻烦，索性一次上两极；还是慢，上三级；这时你是否发现已经很吃力了？练琴也是一样，你本身只具有适应这个速度练习的条件，要提高只有逐步进行，可却强行练习高于自身水平的曲子，你的手指还不适应，可你的意识却已强迫手指高负荷的工作，效果必定极差。速度练习是个慢活儿，只可循序渐进、不可一步登天。如前面所讲：在练习一段速度为180的曲子之前，先打开节拍器，用60—80的速度进行一会三连音、四连音的练习， 等这个速度你已经能弹得很快、很流利时，再去练习你想练的，有了这样一个逐步递增、循序渐进的过程，才有可能一点点的提高。
另外，很多人认为，摇滚电吉他就是速度要快，速度快了，就是弹的好了。这是一个错误的概念，速度，只是一种表现音乐的形式，而非诠释音乐的方法。在音乐中，表现你的思想或是情感，不可能只用速度。试想一下，你的音乐中，除了速度什么都没有，没有感情、没有韵律……那样，何来音乐？何来音乐的意义？大师们之所以称之为大师，是因为他们弹奏时可以随心所欲的用多种不同的方法表达自己的情感和思想。所以，摇滚电吉他的初学者们一定不要走进这个关于速度的误区。
九、深入的乐理学习以及辩证地看待“扒带”
   曾几何时，大家是否突然发现，大街上、舞台上背着琴、弹着琴的热血青年比比皆是？而其中不乏弹奏时可以令人刮目相看的“高手”。可当你兴致冲冲的与他切磋、互相学习时，却发现，他能够做到的，仅只弹奏而已（当然，可能会是较高水准的弹奏）。除了弹奏，他几乎不懂任何乐理。
在为数不少的习琴者眼中，乐理知识可有可无，我弹的好、扒带功夫深，就足够了。其实不然，你弹的再好、扒带功夫再深，也只是吃别人嚼过的馒头，因为，不懂任何乐理的“乐手”，是不可能创造属于自己的音乐的。学习，就是要拿来用，学回来之后就要试着运用、创造新的东西。只有这样，你才有可能成为一个全面的乐手。乐理，只要是乐手，无时无刻都会用到。如和声原理、音阶构成、调式转换等等，那个乐手敢说：“我不需要它”（当然，“二把刀”的除外）。
再说“扒带”，成天到晚乐此不疲的扒着“崔、唐、黑”；“GUNS N' ROSES”；“Nirvana”，扒完之后，兴奋的对别人说：“我整的是原版。”这样的人，不在少数（本人早先也一样），他们只是片面的看待“扒带”，换句话说，就是没有了解“扒带”的意义。“扒带”，最根本的是练习你的听力，片面的看待“扒带”的乐手，最多只能扒些简单的流行歌曲、简单的和声，而长时间以“扒带”来练习听力的乐手，却能准确无误的分辨出七和弦、九和弦甚至挂留和弦。这其中的差距，不言而喻。所以，辩证的看待“扒带”，在练习中学习、创造才是最正确的。

十、如何进行即兴演奏的练习
即兴演奏的范围很广，分为：即兴伴奏、即兴旋律演奏等等。很多乐手，在弹奏一段著名的曲目时，都可以做到丝毫不差，而让他即兴演奏一段任何风格的乐曲，便是难上加难。因为，在他的脑海中，只是记得一些有限的音阶模式，而在以往练习这些音阶模式时，也只是囫囵吞枣、例行公事的完成，究竟这些音阶模式是怎样构成的？该如何使用？这些都没有在意识中形成，所以，就不具备演奏即兴的基本条件。比如说：一个A小调的布鲁斯音阶回转模式，只是能单纯的弹出来，而不能在创作中加入或是引用，那么，这个模式就等于没用。
什么叫即兴伴奏呢？其实，它的本质还是为歌曲配和弦。但是，它对于一般的配和弦来说，更能体现一个乐手的综合素质。
    在酒吧中驻的驻场乐队，还有四处走穴演出的乐队，在那种场合下，对你的即兴伴奏能力，更有很高的要求，比如说，如果某位观众，雅兴来了，非要唱一首歌曲，这首歌，可能是你没有弹过的，甚至是你没有听过的。那怎么办？只好现炒现卖了，这就是即兴伴奏。根据本人的伴奏经验，下面，我将从几个方面来说一说，怎么样才能做好即兴伴奏。
    1、你的耳朵必须要好使。
    也许你会说，“我耳朵当然好使，在喷气式飞机旁边掉根针我都听得见……”，（我倒），我这里说的耳朵好使，并不是你这个意思。而是你的“听音辨音”能力。也就是说，当你听到一句旋律时，可以在第一时间内，准确的感觉到他使用的音，就是说，可以在你脑子中形成谱子。并迅速判断出它的调式（大调？小调？），在吉他上找到演唱者所使用的调门。进而为你下一步的进行做好准备。
    2、对和弦掌握尽可能的熟悉
    这种熟悉，体现在多方面。比如你要把各个调的各级和弦全部牢记于心，并把常用的和弦连接在脑子中形成一定的思维模式。比如说：不管大调小调一般来说，开头与结尾都是用的主和弦，在结尾的时候，90%的歌曲，都是用的下属——属——主这样的和弦进行。在歌曲的主歌与副歌连接中，一般也都是用的属和弦（弱进行的会把主歌落到主和弦上然后直接进行副歌）。等等
    这一项内容在即兴伴奏中占有很大的地位，当然，某些死记硬背在最开始是避免不了的，但你更应该通过多弹、多分析来逐步培养这种感觉。
    3、关于选择伴奏节奏型的问题。在最开始的时候，如果你的各项技术都还不熟练，最好在即兴伴奏的时候，选用较为分散的分解和弦，因为它体现的和弦色彩不是特别的明显，即使你一不小心配了个非常糟糕的和弦，也会有时间改正，当然，熟练了之后，可以跟据不同的歌曲风格，来选配合适的节奏型
    4、对指板尽可能的熟悉，以便你在伴奏的时候，可以在不同的把位随心所欲的弹出你想要的和弦来。
    综上所述，你会发现即兴伴奏，分为这几个步骤：听到演唱者的演唱旋律 —> 在脑子中形成旋律音—>在吉他上找出所用的调门—>  为它配上和弦 —>  在吉他上把它弹出来，虽然是这么多的步骤，但在实际操作中，它几乎是在同一时间完成的。所以，要求你的反应要快，总不能当人家把歌唱完了，你才想好配的和弦吧。
    几个相关的练习方法：
    1、听音辨音练习
    做这个练习，你应该先从“逆向思维”的方法来做。虽然我们最终的目的是听音辨音，但你在训练的时候，却不能这么练。你应该先找你一些乐谱来，边在吉他上弹它们，边用嘴跟着唱的方法来练（你的吉他不一定是标准音，但相对音高一定要准，否则，以后将会在你的脑子中形成错误的音程关系，那你就惨了）。用这种方法练习，不久你就可以达到视唱乐谱的能力，反过来，当你听到一段旋律的时候，你也可以听出来它的音了。
    2、和弦记忆练习
    一般我们开始都是学的C调的和弦，对于bB，D等与C调临近的调，我们可以利用C调的和弦进行推算。然后，你再记忆G调的调，其他的调式用G调的和弦进行推算。如A，F等调。并在吉他上多加熟悉。一些常识你需要了解，就是比如C大调的二级是小和弦，就是不管别的什么大调式，它的二级都是小和弦（就是在和弦后边还加着一个m），还有就是，每个调的主和弦，都是它的调式的一级大三和弦，比如C大调主和弦就是C和弦，F大调主和弦就是F和弦等。
    3、熟悉指板练习
    熟悉音的练习，你可以通过“异弦同音”来进行练习。就是在不同的弦上，不同的把位，尽量的弹出同一个音名的音。比如一弦空弦，二弦五品，四弦14品等，这都是“E”音。
    熟悉和弦的练习，你可以参考上边的和弦记忆的方法，把同名的和弦在指板上推算出来。而且，要记住大小和弦的常用指型。比如F和弦和FM和弦的区别。知道了这个区别，那么你在弹#Fm #F 或者G 、Gm这些和弦的时候，也就会得心应手了。
而在练习即兴演奏时，技巧的变化和运用也是不可缺少的，往往一个技巧的变化或是使用，就会使你的一段弹奏增色不少。另外，请一定记住，即兴的练习有时要与你所倾向弹奏的风格有关，因为这样做，可以使你原本擅长的演奏方式更加精益求精。但是，这最重要的几点恰恰是多数摇滚电吉他初学者、爱好者欠缺的东西。

十一、弹与唱的结合
不要告诉我，或是让别人知道，你在弹琴时唱不出来、唱不好或是你认为我只负责弹奏就可以了。这是一个可怕的误区，因为你在弹得很好了甚至琴技在你的圈子中已小有名气之后，如果别人说：“来，给我们弹唱一首**歌曲”。你难道告诉人家：“等等，我去联系我的乐队”。或者说：“我唱的不行，只能弹”。要是这样的话，众人皆晕（包括我）。所谓弹唱，即是要求在弹的同时把唱结合起来，而这时对你的唱功就要有较高的要求了。既要在独唱时把握好音高、声线，又要能在乐队演奏适配以较高水准的和声。
说到这里，我要特别强调一下，很多人在练习时会不约而同的走进又一个误区：即盲目认可“三分弹、七分唱”。不是说这个说法不对，而是要强调它的多面性，因为，在弹奏的时候盲目遵循这个原则，只会使你的演唱平淡无奇；而如果你试着多练一下演唱时变化所弹奏的和弦形式，或是将死板的伴奏变得活一些，再配以高水准的演唱，那么，谁还能说这样的弹唱不到位呢？
其次，就是如何在平时正确的练习唱功。许多人弹奏时很到位，但当加上唱后，就很不理想了，大多数情况下是音唱不准，这究竟该如何克服呢？很简单，就是在平时练习音阶时，跟着琴去唱，你弹的这个音有多高，你就唱多高，当然，唱不上去的音可以用假声。刚开始时可能有些困难，但经过一段时间的练习，你会发现在演唱时准确无误的找音已经不是什么问题了。
十二、关于“视唱”和“视奏”
在电吉他的演奏领域中，对于“视唱”和“视奏”的要求是非常严格的，而要让自己达到一个较高的水平，这两项练习是必不可少的。那么，究竟何谓“视唱”和“视奏”呢？“视唱”就是指在唱一首歌时可以做到，一边看着谱子，就能同步把它唱出来。“视奏”也是一样，在看着谱子的同时，一遍就能把它弹出来（以下我们都以“视奏”举例）。这两项练习的重点和难点是让你的意识和手指紧密的配合起来，而要做到这些，无疑要一点一滴的积累。比如：在你拿到一个新曲目时，一小节一小节的进行练习，先试着进行前一个小节的视奏，这可能要多花一些功夫，因为暂时你的手指还无法紧密的跟上意识，练习顺手后，再接着练下一小节，然后一次试着多弹几个小节。这样坚持一段时间的练习后你会发现，“视奏”的功夫明显有了提高。接下来应该做的就是每天毫不松懈的练习了，因为你的目标是不管任何速度或是难度的曲子，对于你来说，“视奏”都是不存在任何问题的。
十三、摇滚电吉他的一些专业术语解释
（此部分非原创，为采集）
重音---需加重或加大声演奏的一个音或和弦
    ADT----自动双磁道.通过对信号的快速重复以产生类似双吉他同时演奏的电子效果
指套演奏（即滑棒）----一种用金属或玻璃指套在琴弦演奏单音或和弦的吉他演奏方式
    和声效果---- 一种基于延声,用电子方法所模拟出来的多个乐器同时演奏的效果.可以通过改变其音调及音速以制造更逼真的效果延声----当声波被反射时,人耳就可以听到一个延迟的声音或回音.这种通常用电子数字延声器来制造
    弱音---- 一种常用的使弦静音的技巧,可以用他来防止奏出多余的声音,也可以用来制造特别的效果
    音频反射----琴弦或MIC所拾到的声音被重复放大所产生的声音.有时他也被指一种摇滚吉他效果
     Fuzz Box---- 一种用来制造失真的踏板效果器
    吉他合成器----带有内建合成器的吉他,他可极大地改变吉他的音色;或指带有可控制外接合成器.效果器的MIDI吉他
    双线圈拾音器----带有两组线圈的拾音器,他的音色比较醇厚
    MIDI---乐器数字界面.同类设备如合成器,音序器.调音台,效果器之间进行数据交换所使用的电子装置
    八音程-----12个半音程
    PA系统----播音系统.演出时供听众收听的电子放大系统
    连复段----重复的乐句,由指即兴演奏中不断重复的乐句,吉他演奏中经常使用
    共鸣板----吉他共鸣箱的面伴,上面有琴桥
    拍速----一段音乐的速度
    摇杆----在演奏中可用来改变琴弦音高的一种机械装置
    拍子记号----通常写在乐谱的谱头,用两个数字组成,边名了乐曲小节中的拍数与拍值
十四、正确的音乐理念和创作表达
有时候，吉他手们认为如果他们不知道正在弹奏的东西来自于哪些音乐理论，那么他们就不能真正掌握这些知识。这不是真的。事实是，把某些东西在纸上写出来并不能变为现实。音乐，是真实的，而理论只是一种思考音乐或编写音乐的方试。因此我们最好是能够重复我们所做的学习和练习，并且得到一些新的联想。理论是从属于音乐的，它是从事实中总结出来的。因此，不要过分陷入理论之中，这样你就会忘记真实的音乐，感觉和表达。像人们说的那样，要将你的眼睛盯紧目标。
　　你也不要让理论知识把你限制在一个僵硬的框架中。音乐理论中的所有“规则”都只是指导性的。理论知识只能用来帮助你扩展你的选择范围的。请记住，一切皆有可能。你了解理论的目的是为了创造出好音乐。
另外一点值得提出的是，你弹奏的东西对于你的程度来讲不能太难太快。事实上，与之相反才是准确的。你需要与你的听众沟通，而越简单就越容易被模仿。这就是为什么摇滚和重金属音乐的内容总是在重复那些好的，有力的，简单的连复段和乐句。当然如果你要加快你的弹奏速度，你还需要反复地练习。但你在独奏时，如果总是像每小时跑1000米的样子，是会让你厌烦的。寻找一些变化！不时地将速度放慢下来，快速的部份还是会更突出的。要考虑到声音特质和变化，使你的独奏能够配合歌曲。最后你要知道，歌曲是最重要的事情。你的独奏应该是能给它们增色的。
还有，许多人有一个通病，就是“音乐排他性”。他们只认可自己喜欢的、自己进行的音乐，对于其他风格、形式的音乐不屑一顾。那么，告诉你，这个弊病是最有碍于你的音乐创作或是演奏的。一个乐手最起码应该做到的，就是广听各种风格的曲子，因为它之所以形成一种风格，肯定是有它的独特之处的，况且，多听听那些你不擅长的类型的乐曲，你对于音乐理念的认知和把握也会大幅度提高的。请记住：你排斥的不一定是不好的！
　　从理论的角度，多样化是将连续与对比结合而产生的。当然，这里有成千上万的方法来做到这一点。连续就是指任何类型的重复——动机，模进，问题/答案，曲式，主题循环等等。对比是打破这些顾定模式的结构——比如在弹了很多的低音之后弹一个高音，转换音阶，使用调外音，在一个慢速乐句后加快速度或者在一个快速的乐句后放慢速度，或者这种方式怎么样——一系列的上行，模进，琶音，速度拨弦，在漫漫长的音乐中用紧凑的乐句达到高潮，缠绕，扭曲，尖叫，刺耳，把颤音推弦推到密西西比河的西部！这些都是对比的方法！
　　还是回到我们正在讨论的音乐理论。你不一定要在学会演奏以后再去了解理论。因为灵感可以来自于即兴演奏，探究指板，模仿其他演奏者的音乐，或者通过你自己的“内耳”来想像（在你失去灵感之前，赶快拿起吉他并弹出来！）真正重要的是从你的吉他上发出的声音。
我们来看最后一点。你演奏什么并不重要，怎样演奏才是重要的。一个伟大的吉他手可以使最简单的乐句听起来非常“伟大”，这与推弦，触弦，颤音，其他技巧和演奏音色的微妙差别有关，因此要仔细地听这些内容。将你自己的演奏录下来，不仅要听其中的音，还要多听你在弹奏中用到的微妙的技巧。通过这些，你就可以找到感觉音乐和表达音乐的方式。记住，最基本的原则—— 如果好听，它就是好的！
——后记：
写这些东西的初衷来源于我在教学时遇到的种种问题，有很多学生在学琴时，我发现他们已经不知在何时，形成了许多不好的习惯或是在某些看法和认识上产生了偏差。比如一些有一定基础的学生，在弹奏时多少会作出一些令我百思不得其解的错误方式，有些甚至是无用的，当与他们谈起这方面的话题时，才知道，他们有些是在自学过程中盲目地模仿周围那些他们认为弹得较好的同学、朋友；有些则是没有任何基础而被那些所谓的“半吊子老师”引入歧途。要知道，人的意识中一旦有某种习惯形成，再要改正是很费事的。很久以前，我为了改变一个原先错误的和弦压法而用去了两个多月的时间，所以，我突然想到，把这些经常会困扰初学者的问题做一个初步的分析然后书面表达出来，是否会对朋友们有所帮助呢？于是当这个想法产生之后，我将曾遇到的和看到的一些较为常见的问题写了下来。
在我依照自己的经验和曾遇到过的问题，写完了前面的话后，现在要说的是我真的很感谢那些在我的音乐历程中，多多少少的给予我帮助的老师、朋友们，如果不是他们，我也可能现在依旧痛苦的在“学与不学、怎样去学”的边缘徘徊；甚至仍然碌碌无为。时至今日，我还是很怀念那些已离开的挚友。另外，很多不知名的朋友、同行也对我进行了很大的帮助和启发，在这里，本人对他们致以崇高的敬意和无比的感激！
另外，我也只是将自己在十余年的学习、教学和演奏过程中的经验及曾遇到的问题拿出来和众位交流、探讨，谈不上说教。碍于水平有限，在前面的编写中，难免会出现一些纰漏或是有些地方的讲解不够全面、细致，望大家积极予以批评指正，同时，我也殷切希望看到这本书的吉他爱好者、学习者们能够多少获取一定的知识，学习过程中少走弯路，如果真是这样，这对鄙人来讲将会是莫大的宽慰！

                    2005年7月19日（初稿）